Um dos meios pelos quais a Igreja entendia que era possível difundir os ensinamentos e a tradição católica era a arte. A igreja já patrocinava artistas na decoração de templos e produção de ornamentos, mas, a partir do período barroco, essa intenção de fortalecimento e a necessidade de afirmação de seus preceitos cresceram, fazendo com que crescessem também os incentivos destinados aos artistas para que trabalhassem com essa intenção. Todo esse contexto histórico e social refletiu-se também na estética das obras artísticas. O que antes era sóbrio e equilibrado passou a trazer uma forte carga emocional. A produção de imagens também se intensificou muito, em contraposição a uma das mudanças que o protestantismo pregava, que era não cultuar imagens de santos.

O interesse nesse incentivo fez com que outros artistas de toda a Europa fossem para a Itália, ajudando ainda mais a difundir, também geograficamente, os ideais da Igreja. Entre esses países estava Portugal, que era extremamente católico e, na época, vivia o auge das expansões marítimas, junto com a Espanha. No processo de colonização, Portugal e outros países dominadores levavam para os povos nativos as colônias e para os escravos seus costumes, cultura e também a religião, doutrinando-os no cristianismo.

Há divergências entre estudiosos quanto à definição precisa de “barroco”: alguns o consideram um período, outros  consideram artistas barrocos aqueles cujas obras tinham certas características. Há muitos significados possíveis atribuídos à palavra “barroco”, um deles é “pérola irregular ou imperfeita”.  Outro fator importante é que, segundo estudos mais recentes, o nome “barroco” só teria sido usado por volta do século XVIII, e teria surgido de forma pejorativa, para designar essa arte que muitos consideraram estranhas e imperfeitas.

O êxtase de Santa Teresa, do artista italiano Gian Lorenzo Bernini (1598 – 1680) apresenta diversas das principais características que podem ser atribuídas à arte barroca, apesar das variantes que adquiriu de um país para outro com o passar do tempo. Com o intuito de comunicar e convencer os fiéis, com clareza e emoção, dos preceitos da igreja, a arte barroca é dramática e exuberante, carregada de excessos decorativos. Há o predomínio do movimento  e da assimetria nas formas, recursos que aumentam a expressividade das figuras, assim como o uso de relações intensas de luz e sombra.

Bernini foi um escultor e arquiteto que realizou muitos trabalhos para a igreja em Roma. Em O Êxtase de Santa Teresa, obra feita para a capela lateral de uma pequena igreja, por encomenda do cardeal Frederico Cornaro (1579 – 1673), ele representa um episódio narrado pela santa espanhola Teresa D´Avila (1515 – 1582) em sua autobiografia. Santa Teresa havia sido canonizada em 1622, e era muito popular na época. Sua vida de entrega espiritual era um exemplo para os fiéis num período conturbando. Em seu livro, ela relata uma experiência de arrebatamento  divino em que  um anjo a teria atravessado cm uma flecha dourada, enchendo-a de dor, mas também de amor celestial. Apesar de a figura ser de mármore, Bernini trabalha o material de forma a parecer leve:  formas esvoaçantes das roupas  dos personagens. Eles estão sobre uma nuvem que parece flutuar no ar, o que aproxima,  ainda mais, esse êxtase religioso de uma experiência divina. Os raios dourados  ao fundo ampliam essa sensação, ao remeter à luz do Espírito Santo.

As artes barrocas possuem forte tendência ao espetáculo, combinando várias linguagens e recursos, em especial, na decoração das igrejas. Toda essa dramaticidade e opulência deveria contribuir para o convencimento dos fiéis, apresentando toda a glória de Deus por meio do que de mais rico existia na Terra: materiais nobres, ouro e pedras preciosas.

Esse espírito conflituoso da estética barroca foi tão intenso que se expandiu para além da arte sacra, criando uma estética que reverberou para todas as artes, incluindo o teatro.

Nesse período, dramaturgos e encenadores de vários países da Europa produziram intensamente obras com características barrocas. Muitos textos dessa época versam, por meio de excessivas metáforas, sobre a angústia criada por uma nova e perturbadora visão do mundo, e o embate entre valores morais e religiosos. Os conflitos dos personagens passam por questões como a finitude da vida e a relação com o mundo material e espiritual.

Em especial na Espanha, a produção teatral possuía um estilo bastante denso e dramático, também característico da arte barroca. Pela intensa produção teatral, o período entre 1580 e 1680 ficou conhecido como o Século de Ouro Espanhol. A angústia da fé católica no contexto da contrarreforma apresentou autores de extrema importância, em um teatro que transitou entre o religioso e o profano. Um dos últimos e mais importantes autores dessa época foi Pedro Calderón de La Barca (1600 – 1681), que escreveu mais de 600 obras, sendo que 120 chegaram completas até os dias de hoje. Seus textos glorificam a corte, motivo pelo qual foram chamados de “comédias palacianas”. Muitas de suas peças eram encomendadas por nobres e, por isso, contavam com um aparato bastante sofisticado, o que muitas vezes servia para encobrir a decadência da aristocracia da época. Seu teatro se classifica como barroco na forma, principalmente  pelos exageros do estilo; e no conteúdo, por apresentar um ser humano atormentado pelo conflito entre a realidade mundana (luxo, riqueza, beleza) e as questões espirituais. Uma  de suas peças mais importantes é A vida é sonho. Nela, Calderón apresenta a história de Segismundo, filho de Basílio, rei da Polônia. Ao nascer, Segismundo é renegado pelo pai e trancafiado em uma torre, por conta de uma previsão astrológica que dizia que ele seria um filho traidor. Um dia Basílio resolve libertá-lo, mas, com medo de que o filho se voltasse contra ele, resolve antes testá-lo. Dopa-o e o coloca no trono do Rei para testar sua reação e saber se a previsão se confirmaria ou não. Segismundo acorda é não sabe se aquilo é real ou é um sonho. E a história se passa entre esse dilema: será sonho ou realidade?